"noBody" von Sasha Waltz an der Berliner "Schaubühne"

Sasha Waltz gilt als eine der Pioniergestalten im modernen Tanz/Theater, wagt sie sich doch weit hinaus aus den etablierten Schablonen, vor denen auch diese avantgardistische Kunst nicht gefeit ist. Sie geht konsequent den Weg zu einer unprogrammatischen Sicht des Tanz/Theaters, will sagen, sie weigert sich, ihrer Choreographie eine erkennbare Handlung zu unterlegen. Nichts soll den Zuschauer ablenken, keine vorschnelle Deutung ins Gesellschaftliche oder Psychologische die Sicht auf die dargebotenen Abläufe verstellen.

Bereits der Titel gibt darüber Auskunft: der "body" - Körper - wird sofort mit dem verneinenden Präfix "no" versehen, damit gleichzeitig den Begriff "nobody" - niemand - kreierend. Niemand ist gemeint, das Wort "body" steht sozusagen für sich selbst. Punkt.

Wenn sich das karge Beton-Halbrund des wie eine mykenische Burghalle anmutenden hohen Bühnenraumes nach dem Erlöschen der Raumbeleuchtung wieder aufhellt, ertönt - wie aus dem Untergrund - ein dumpfes Grollen. Ein naiver Besucher könnte fast annehmen, die U-Bahn fahre unter dem Theater durch. Doch dafür dauert diese Hintergrundbeschallung zu lange, sie gehört offensichtlich zur Choreographie.

Einzelne Tänzer betreten das Halbrund, schreiten versunken vor sich hin, kommen anfangs kaum in Berührung miteinander. Mit zunehmender Dauer jedoch treten diese Körper miteinander in Kontakt, anfangs scheinbar zufällig und reflexartig, später gezielter und bisweilen suchend.

Wie bei einer Opernouvertüre endet die erste Phase mit dem Wechsel des Hintergrundgeräusches, das plötzlich in ein entferntes, angenehm traumhaft anmutendes Rauschen übergeht. Die Personen auf der Bühne gruppieren sich neu, scheinen ein neues Spiel zu spielen. Es beginnen sich unterschiedliche Charaktere herauszuschälen, die zusätzlich durch die Kostümierung betont werden. Im weißen Anzug der eine, im grauen Trainingsdress der andere. Die weibliche Garderobe reicht von dem kurzen Schulmädchen-Röckchen über die schwarze Jacke und weiße Hose einer Turnierreiterin und das schwarze geschlossene Gouvernanten-Kleid bis zum bodenlangen Abendkleid. Doch die Kostüme sind Teil des Körpers und nicht Metapher einer gesellschaftlichen Situation. Doch die Verteilung der Farben - ganz weiß, schwarz-weiß, schwarz - symbolisiert die Zusammensetzung der Gesellschaft, wobei die Farben für Eigenschaften aller Art stehen, nicht etwa nur vordergründig für die Hautfarbe. Nur einer fällt aus dem Rahmen: der Tänzer im roten Anzug!

Das Hintergrundgeräusch steigert sich langsam aber stetig vom sanften Rauschen zu einem wahren Höllenlärm, wie man ihn in einer großen Maschinenhalle erleben mag, in der große Motoren mit wachsender Drehzahl arbeiten. Diese Geräuschkulisse lässt sich als Metapher für die Entwicklung der menschlichen Gesellschaft bis hin zur hektischen und hyperaktiven Großstadt-Zivilisation deuten. Die Akteure folgen dem anschwellenden Geräusch mit zunehmender Aktivität. Die Bewegungen werden schneller, einmal eingenommene Positionen werden gleich wieder aufgegeben, die Figuren geraten miteinander in Konflikt, stehen einem schnellen Ortswechsel im Wege, stoßen sich gegenseitig weg und streben doch immer wieder zum jeweils attraktivsten Ensemble. Dabei suchen sie in diesen Gruppen die größtmögliche Nähe, kriechen ineinander und türmen sich übereinander. Dann wieder bricht die Gruppe auseinander, und die Jagd nach neuen Bindungen beginnt von Neuem. Der Tänzer im roten Anzug erweist sich zunehmend als Außenseiter, nicht nur durch sein Kostüm, sondern auch durch die offensichtliche Abweisung seiner Annäherungsversuche an die Gruppe. Interpretationen sind erlaubt, werden jedoch nicht auf dem Tablett serviert.

Schließlich endet alles in einem scheinbar ungeordneten aber wohl inszenierten Chaos, das von blankem Hass und nackter Angst genährt wird, und am Ende schreien sich die Personen hilflos an, bis mit dem plötzlichen Ersterben des zum Schluss kaum noch erträglichen Unterwelt-Dröhnens sich ein riesiger weißer Ballon entfaltet. Wie ein jenseitiges Zeichen bringt dieses Gebilde alle zum Schweigen und Verschwinden, um dann Figuren in Engeln gleichen Kostümen auf die Bühne schweben zu lassen. Langsam und zögernd kommen die Protagonisten des Kampfes zurück auf die Bühne, wie bei dem Wiedererwachen im Jenseits nach dem kollektiven Tod im Diesseits. Die Bewegungen sind jetzt langsamer, weniger aggressiv, man nähert sich einander mit Scheu und Verwunderung. Der "rote Mann" vereinigt sich mit dem leblosen Körper desjenigen, der ihn abgewiesen hat, indem er in dessen am Körper befindliche Kleidung schlüpft. Als Doppelwesen - halb lebendig, halb tot - sucht er in seiner Verzweiflung die erstrebte Nähe und Akzeptanz bei dem Toten, muss sich jedoch schließlich durch die Gruppe wieder von seinem "alter ego" trennen lassen.